Musée des beaux-arts de Bordeaux : La peinture d Histoire

DOCUMENT POUR LE SECONDAIRE 

LA PEINTURE D’HISTOIRE DANS LES ŒUVRES 

DU MUSÉE DES BEAUX-ARTS 

Les évènements historiques 

TITIEN (1488-1576) 

Tarquin et Lucrèce ou le viol de Lucrèce, 1570. 

Le destin tragique de Lucrèce est un sujet de 

méditation pour les humanistes du XVI e siècle, 

d’après toi pourquoi ? 

Titien a choisi de peindre cette scène car elle lui 

permettait de traiter plusieurs oppositions dans 

un même tableau. Quelles sont-elles ? 

Les gestes des personnages sont ici très 

importants, que permettent-ils d’insuffler à la 

composition du tableau ? 

Observe le costume de Tarquin, est-il représenté 

avec des vêtements de la Rome antique ? 

Pourquoi Titien a-t-il fait cet anachronisme ? 

Le sujet : Lucrèce est l’héroïne d’un épisode de 

l’histoire romaine rapporté par Tite-Live, Ovide et 

Boccace. Elle épouse Tarquin Collatin, parent du 

dernier roi légendaire de Rome, Tarquin le 

Superbe (524-510 av. J.- C.). En 509 le fils de ce 

dernier, Tarquin Sextus, amoureux fou de 

Lucrèce, la viole dans sa chambre. Lucrèce 

avoue son déshonneur à son mari puis se 

poignarde devant lui. Le frère de Lucrèce, Lucius 

Junius Brutus, soutenu par Tarquin Collatin, 

exécute le criminel, renverse la monarchie et 

établit la république. C'est donc à la suite du viol 

de Lucrèce que Rome serait passée de la 

monarchie à la République, en 509 av. J.-C., 

comme le signalent de nombreux auteurs 

antiques. Cependant, ce récit tient plus de la 

légende que de l’Histoire. 

La jeune femme incarne non seulement l'idéal de 

vertu conjugale, mais le triomphe de la beauté 

sur l'arbitraire. 

Le choix de cette scène lui permet d’opposer à 

l’abjection de Tarquin, la pureté bafouée de 

Lucrèce ; à la figure vêtue, le nu et à l’ombre, la 

lumière. 

Le geste d'épouvante qui rejette Lucrèce sur son 

lit imprime à la composition un mouvement de 

bascule vers le fond à droite et, à la scène, une 

allure théâtrale qu’affectionne particulièrement 

Titien. 

Titien a choisi de représenter Tarquin dans un 

costume à la Turque. Ce détail permet de donner 

une atmosphère orientalisante à la scène. 

1

Les peintres préfèrent évoquer le suicide de Lucrèce, nœud de la tragédie. Titien lui-même peint cet 

épisode dans le tableau d'Hampton Court (vers 1520-1524) ; mais son goût pour les effets 

dramatiques de la vertu outragée, pour le nu féminin, et pour la confrontation psychologique entre 

deux figures, aboutit aux trois versions de Tarquin et Lucrèce (Bordeaux, Vienne et Cambridge) où le 

maître, à la fin de sa vie, vers 1571, ose décrire l'instant du viol plutôt que ses conséquences. 

La carrière exemplaire et européenne de Titien, qui reçoit des commandes de Venise, Mantoue, 

Bologne, Rome, Vienne, Madrid..., est marquée par une recherche toujours plus audacieuse de 

l'intensité dramatique, grâce à l'exaltation des tons, les effets de perspective et, comme ici, 

l'expression des mouvements. 

VAN LOO (1684-1745) 

Auguste se fait prêter serment de fidélité par les princes barbares qui lui offrent leurs femmes en otage, 

XVIII e siècle. 

Le sujet : La toile monumentale illustre un passage de Suétone (Vie des Douze Césars, chap.XXI). 

Avec une politique mesurée de conquêtes territoriales, l’empereur obligeait les princes barbares à 

lui jurer fidélité et à lui confier leurs épouses comme otages. Malgré les révoltes et les trahisons, il 

leur laissa la possibilité de reprendre leurs femmes et leur témoigna mansuétude et sagesse. 

Van Loo a représenté cette scène d’allégeance 

au sein d’un temple romain. Observe bien le 

décor, un indice te permettra de découvrir à 

quel dieu est dédié ce temple. 

Ce tableau a un aspect pictural particulier, 

décris-le. Pourquoi l’artiste a-t-il peint son 

tableau de cette façon ? 

En arrière plan, tu peux voir la statue d’un 

homme en armure avec un casque et une lance. 

C’est le dieu de la guerre Mars. 

La légèreté du dessin, la liberté de la touche font 

penser à une esquisse ou à un tableau inachevé. 

L’inscription au bas du tableau nous révèle que 

Van Loo est mort avant d’avoir pu achever son 

œuvre. 

Qui est le commanditaire de ce tableau? Des inscriptions en bas à gauche nous indiquent 

que ce tableau fut réalisé pour la cour des 

comptes de Provence. 

Jean-Baptiste appartient à la fameuse dynastie des Van Loo ; il semblerait d'après des inventaires 

retrouvés à Aix-en-Provence que ce tableau (peut-être une esquisse), ait été destiné à la Cour des 

Comptes d'Aix-en-Provence, vers 1735 ; Jean-Baptiste est avant tout un portraitiste (nombreux 

portraits de Louis XV) mais il reçoit aussi des commandes de peintures d'histoire. 

2

Jean Baptiste VAN MOUR (1671-1737) 

Réception de l’Ambassadeur de France, le vicomte d’Andrezel, par le Sultan Ahmed III, le 17 octobre 1724, à 

Constantinople, 1724. 

Le Dîner offert par le Grand Vizir Ibrahim Pacha et L’audience du Sultan, 1724. 

Le sujet : En 1724, Van Mour est l’un des peintres faisant partie de l’expédition française vers la 

Turquie. Le cortège est composé de l’ambassadeur de France, le vicomte d’Andrezel et sa suite 

de gentilshommes, d’officiers et de dignitaires de l’époque. 

La réception d’hôtes étrangers en Turquie est soumise à un cérémonial strict dont nous avons ici 

deux phases représentées. Il y a d’abord l’arrivée du cortège dans la seconde cour du Sérail qui 

précèdes les deux cérémonies montrées ici. Le protocole ottoman veut que les invités soient 

nourris et vêtus avant d’être admis en présence du sultan. Le repas terminé, l’ambassadeur est 

invité à passer avec douze personnes de sa cour où on le revêt d’une nouvelle pelisse d’honneur, 

et on l’invite à s’asseoir jusqu’au moment où il sera introduit dans la « salle des requêtes » par 

des kapidgi. C’est ce moment de la cérémonie que nous montre le second tableau. Après les 

révérences d’usage et la lecture de compliments le sultan daigne dire en turc « Pek iyi » (« très 

bien »). L’ambassadeur fait une dernière révérence et se retire dans son palais de France. 

Quelles impressions as-tu sur la Turquie en 

regardant ces deux œuvres ? 

Regarde bien le deuxième tableau. Sais-tu où 

se trouve le sultan ? 

Cherche dans l’un des tableaux les quatre fils 

du Sultan. Quels sont les autres personnages 

présents dans le tableau ? 

Grâce à son talent, Van Mour fait de la Turquie 

un pays fantastique, où la richesse et le 

merveilleux règnent. Ces deux œuvres 

retranscrivent bien la fascination de l’Europe à 

cette époque pour la Turquie et l’Orient. 

Le sultan se trouve à gauche du tableau au 

milieu. Il est assis sur son trône richement garni 

de coussins sur lesquels sont déposés son 

écritoire, son sabre et son turban. Il est le seul 

personnage marquant ainsi sa différence et sa 

supériorité sur ses invités. 

Il s’agit du Sultan Ahmed III (1673-1736) qui 

règne de 1703 à 1730 et fait de nombreuses 

guerres contre la Russie, Venise et l’Autriche. Il 

meurt assassiné en prison. 

Les quatre fils sont dans le deuxième tableau. Ils 

sont debout près du trône et assistent à 

l’audience. Ils sont plus petits que les autres 

personnages et habillés de la même manière. 

Tous les détails de l’audience sont réglés par le 

grand vizir, le kapudan pacha, le nichandgi bachi 

et le grand drogman de la Porte reconnaissable à 

son grand bonnet fourré. À côté d’Andrezel (au 

milieu du tableau) se trouvent ses deux fils. 

3

Alessandro MAGNASCO (1667-1749) 

Arrivée et interrogatoire des galériens dans le port de Gênes Embarquement des galériens dans le port de Gênes, 1740 

Le sujet : Dans l’Antiquité, la galère est un bâtiment de combat gréé d’un mât unique et d’une voile 

carrée. Elle est manœuvrée essentiellement à l’aviron. Jusqu'au règne de Louis XIV la plupart des 

galériens étaient des volontaires. Ces rameurs professionnels n’ont d’autres choix que ce dur métier à 

cause de la pauvreté. Mais, ce sont malgré tout des hommes libres. En effet, les équipages (les 

chiourmes) d'hommes libres sont la règle depuis l'Antiquité. Avec le règne de Louis XIV, les galères 

deviennent synonymes de « bagne ». À partir des années 1660, la flotte de galères ancrée à Marseille 

est le reflet à la fois de la splendeur absolutiste du roi et de la rigueur de sa justice. Le grand siècle de 

la galère commence... 

Les condamnés aux galères sont en priorité ceux qui bravent l’autorité de Louis XIV : déserteurs, 

contrebandiers, faux-monnayeurs. Après la révocation de l’édit de Nantes, en 1685, les protestants 

sont systématiquement condamnés. À cela se rajoutent les opposants politiques. Bien sûr, parmi tous 

les condamnés qui se succèdent sur les bancs des galères, on trouve également des voleurs, des 

assassins, ainsi qu'une forte proportion de vagabonds. Mais ces délinquants sont minoritaires, par 

rapport à ceux qui ont osé braver les lois de l'État. Les galériens sont, à proprement parler, des 

esclaves du roi, des «esclaves d'État»; on trouve d'ailleurs parmi eux quelques esclaves, tout à fait 

officiels: Maures razziés, orthodoxes, Polonais, voire Indiens Iroquois. 

Le premier voyage qu'effectuent les galériens est celui qui les conduit des grandes villes du royaume 

où ils ont été condamnés jusqu'à Marseille, le grand et unique port des galères. Enchaînés, marqués 

au fer rouge sur l'épaule gauche des trois lettres d'infamie « GAL », les galériens sont alors sous la 

responsabilité d'entrepreneurs privés sans scrupule. Le trajet est long et pénible. Bien des condamnés 

meurent avant même d'être arrivés sur le lieu où ils doivent purger leur peine. Les galériens ont le 

crâne rasé et sont vêtus de guenilles écarlates. Ce sont là des précautions destinées à rendre plus 

difficiles les évasions, mais aussi des signes voulus de déchéance sociale. En mer, les 260 rameurs 

d'une galère ordinaire, dite « sensile », tirent par groupes de 4 ou 5 sur une longue rame, si lourde 

qu'elle défonce aisément la poitrine si l'on n'y prête garde. Dans une promiscuité effrayante, les 

galériens mangent et dorment à leur banc. Les brimades, les rixes, les épidémies, notamment de 

typhus, laissent à peine un condamné sur deux en vie au terme de sa peine, si tant est qu'il soit un 

jour libéré. Car la durée légale de la peine prononcée par les tribunaux importe en réalité peu. Seul le 

roi peut libérer un galérien, et il oublie d'autant plus volontiers de le faire que la flotte de galères 

manque le plus souvent d'effectifs. La carence est telle que Louis XIV tente un moment de convaincre 

le roi d'Angleterre Jacques II d'envoyer dans les galères françaises ses propres hérétiques. 

4

Au premier plan du tableau, L’arrivée des 

galériens, Magnasco a représenté un bœuf 

portant un joug, que symbolise t-il ? 

Au fond, s’ouvre un espace qui mène au centre 

du tableau où se déroule la scène principale. 

Que se passe-t-il ? 

Le deuxième tableau représentant 

L’embarquement des galériens dans le port de 

Gênes détaille un autre épisode du calvaire 

infligé aux galériens, lequel ? 

Magnasco utilise une technique et un style bien 

particulier, lequel ? 

Il représente l’asservissement subit par les 

galériens. 

Un juge vient de condamner un homme au 

supplice de l’estrapade : l’accusé est hissé avec 

une corde, mains liées derrière le dos, puis 

relâché brusquement... jusqu’à dislocation des 

membres, s’il n’avoue pas avant, qu’il soit 

coupable ou pas. Le greffier est là pour 

enregistrer ses aveux. Au fond du tableau 

d’autres prisonniers enchaînés arrivent tandis 

qu’en haut, penchés à la balustrade, des 

badauds assistent à la scène. 

Dans le deuxième tableau, les galériens 

avancent, de gauche à droite, vers le lieu où ils 

vont être rasés puis marqués au fer rouge avant 

d’être embarqués dans les galères. La scène se 

déroule dans le port de Gênes, reconnaissable à 

sa lanterne. 

La technique de Magnasco est très particulière ; 

son style semble esquissé et des rehauts de 

couleur “tout en points d’exclamation”, comme le 

dit André Malraux, qui font trembler les formes. 

Ces deux tableaux affichent une virtuosité 

rendue par des touches nerveuses et raffinées, 

aux coloris subtil et précieux propre à l’art du 

XVIII e siècle alors que leur sujet douloureux est 

aux antipodes de la sensualité rococo. 

Le thème des deux tableaux bordelais est extrêmement rare dans la peinture du XVIII e siècle. Selon 

la spécialiste de Magnasco, Fausta Franchini Guelfi, ils ont probablement été commandés à 

Magnasco par un français qui s’intéressait aux idées nouvelles du Siècle des Lumières et qui 

souhaitait protester contre la torture. Le détail de la tour identifiant de façon certaine le lieu de l’action 

tend à prouver la volonté du peintre de dénoncer une réalité vérifiable. 

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Pierre LACOUR (1745-1814) 

Cléopâtre se désolant dans le tombeau de Marc Antoine, 1791. 

Le sujet : D'abord maîtresse de César, Cléopâtre épousa après la mort de ce dernier Marc-Antoine 

qui l'aida à accroître considérablement son royaume que se partagèrent leurs enfants. Ils furent 

vaincus tous deux à Actium par Octave. Après le suicide de Marc-Antoine, Cléopâtre se donna la 

mort en se faisant mordre par un aspic. 

Cléopâtre tient une perle dans sa main gauche 

qu’elle suspend au-dessus d’une vasque. Ce 

détail peint par Lacour rappelle un épisode 

célèbre de l’histoire de Marc-Antoine et 

Cléopâtre. Sais-tu lequel ? 

Lacour a également glissé des éléments faisant 

référence à la mort tragique de Cléopâtre. Les 

reconnais-tu ? 

Cléopâtre fait le pari à Marc-Antoine d’engloutir 

en un seul repas 10 millions de sesterces. 

Pendant le festin elle se fait servir un verre de 

vinaigre, dans lequel elle plongea l’une de ces 

magnifiques boucles d’oreilles en perle. Sous 

l’effet de l’acidité la perle se dissout. Cléopâtre 

bu son verre et gagna son pari. 

La poitrine dénudée de Cléopâtre et les entrelacs 

soutenant la vasque évoquant des serpents dont 

la tête de l'un d'eux effleure sa main laissent 

présager le suicide de la reine. En effet, 

accompagnée de ses deux plus fidèles 

servantes, Iras et Charmiane, Cléopâtre se 

donne la mort, le 12 août -30, en se faisant porter 

un panier de figues contenant deux aspics 

venimeux. 

François-Armand Saige est le commanditaire de ce tableau au peintre Pierre Lacour qui avec huit 

autres devait orner son hôtel construit par Victor Louis cours du Chapeau-Rouge. F.-A. Saige a été 

Maire de Bordeaux : élu en 1791 il le reste jusqu'en 1793. Il est accusé alors par le président 

Lacombe qui prononce la peine de mort. Il est exécuté place Dauphine le 14 Brumaire an II. 

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Pierre LACOUR (1745-1814) 

Vue d’une partie du port et des quais de Bordeaux dits des Chartrons et de Bacalan, 1804-1806. 

L’artiste : Pierre Lacour domine l'activité artistique Bordelaise durant les dernières années du XVIII e 

et le début du XIXe. Son apprentissage artistique débute à Bordeaux sous la tutelle du miniaturiste 

Lavau et se poursuit à Paris dans l'atelier de Vien. Il a pour amis Vincent et David. Après un voyage à 

Rome, il revient à Bordeaux en 1774 et devient le peintre officiel de la société Bordelaise. Il occupe le 

poste de recteur de l'Académie Royale de peinture, fonde puis dirige l'école de dessin. Il crée le 

Musée des Beaux-Arts en 1801 à partir du premier fond de la collection issue de l'ancienne académie 

et des envois de l'état. 

Un des bâtiments peint par Lacour est toujours 

visible aujourd’hui à Bordeaux, le reconnais-tu ? 

Sur les berges de la Garonne on peut voir deux 

petites maisons en pierre surmontées d’une 

balustrade, quelle est leur fonction ? 

Au début du XIX e siècle la photographie et la 

peinture en tube n’ont pas encore fait leur 

apparition. Comment Pierre Lacour a-t-il pu 

peindre une vue fidèle du port de Bordeaux sur 

cette toile de plus de deux mètres sur trois ? 

Pierre Lacour a réalisé son autoportrait, ainsi que 

le portrait de sa fille, son fils, son frère et d’autres 

personnages importants de l’époque. Il s’est 

d’ailleurs représenté en train d’exécuter des 

croquis auprès de sa fille, le vois-tu ? 

Derrière Pierre Lacour et sa fille tu peux observer 

un personnage penché sur la rambarde, que faitil 

? 

Cette œuvre est certes très intéressante d’un 

point de vue artistique mais également pour une 

autre raison, laquelle ? 

Au premier plan, un très bel immeuble fait l’angle 

du quai. C’est l’hôtel Fenwick, du nom du premier 

consul des Etats-Unis d’Amérique à Bordeaux à 

la fin du XVIII e siècle. Il est facilement 

reconnaissable à ses deux belvédères. 

Ce sont des guérites de l’octroi dans lesquelles 

on devait s’acquitter des taxes dues à l’entrée de 

la ville de certaines denrées. 

Les techniques de l’époque et la dimension de la 

toile ne permettaient pas à Lacour de peindre 

« sur le motif », c'est-à-dire en plein air 

directement devant le paysage. Il réalisa plus de 

6000 croquis avant de pouvoir réaliser cette vue 

du port de Bordeaux en atelier. 

Il se trouve au premier plan à gauche appuyé sur 

la rambarde en bois. 

Ce personnage observant la rambarde nous 

incite à faire de même. Lacour utilise ce 

personnage pour nous indiquer sa signature. Elle 

semble être gravée dans le bois, faisant partie 

intégrante du tableau. 

Lacour dépeint dans les moindres détails la 

société bordelaise du XIXe siècle ainsi que la 

topographie exacte de la ville à cette époque. Ce 

tableau est un document inestimable pour les 

historiens. 

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Un élément du tableau prend une place 

importante sur la toile, lequel ? Pourquoi ? 

Au XIX e siècle de nombreux peintres classiques 

représentent des vues topographiques des villes. 

Le ciel prend une place importante dans ces 

œuvres, il s’étend sur les deux tiers de la toile. 

C’est ce qu’on appelle la tradition védutiste.Ce 

terme vient de l’ italien veduta désignant des 

tableaux du XVIII e siècle présentant des vues 

topographiques de la ville de Venise. 

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Eugène DELACROIX (1798-1863) 

La Grèce sur les ruines de Missolonghi, 1826. 

La jeune femme au premier plan est vêtue du 

costume traditionnel grec. Elle représente son 

pays : La Grèce. Comment appelle-t-on cette 

figure stylistique ? 

La figure féminine est très courante chez 

Delacroix, peux-tu citer un autre tableau très 

connu de ce peintre mettant lui aussi en scène 

une jeune femme ? 

À l’arrière plan on aperçoit un homme noir tenant 

un drapeau. A ton avis que représente t-il ? 

Quelle est la position de la Grèce ? 

Le sujet : Ce tableau est inspiré d’un fait historique : le siège de 

Missolonghi. Cette ville portuaire située dans le Golfe de Corinthe fut pour 

la troisième fois assiégée par les Turcs en 1826. Nous sommes alors en 

pleine guerre d’indépendance menée par les Grecs contre l’Empire 

ottoman de 1821 à 1830. Le 22 avril 1826, ravagée par la famine et les 

épidémies, la ville se rend. Une partie de la population avait préféré se 

donner la mort en faisant sauter l’arsenal plutôt que d’être réduit en 

esclavage. Trois ans plus tard le pays est libéré des Turcs. 

On parle ici d’allégorie puisque la jeune femme 

ne porte pas de nom et représente une idée, un 

thème. 

Il s’agit de La Liberté guidant le peuple, 1830 

(Louvre) où l’on voit représentée une jeune 

femme tenant fermement le drapeau français, 

légèrement dénudée. 

L’homme noir au fond représente l’envahisseur, 

qui plante d’un geste conquérant son drapeau 

dans le sol en signe de victoire. Il est donc 

associé à la Turquie et porte un costume turc, 

même si cet homme est noir. 

La jeune femme est à la fois agenouillée (et donc 

vaincue) et debout (et donc victorieuse). Elle 

tend ses bras dans un geste implorant. 

Delacroix (1798-1863) est considéré comme l’un des maîtres du romantisme et de l’orientalisme en 

France. Il n’a que 7 ans lorsque son père décède. Il s’installe alors chez sa sœur à Paris. En 1815, 

son oncle le fait entrer dans l’atelier de Pierre-Narcisse Guérin qui lui enseigne les principes de la 

représentation néoclassique de l’ancienne école : primauté du dessin sur la couleur, retour à l’antique. 

Il y rencontre Théodore Guéricault, de 7 ans son aîné, qui eut une influence importante dans son art. 

En 1816, il entre aux Beaux-arts. Il découvre lors d’un voyage en Angleterre le théâtre de 

Shakespeare, Goethe et Faust. Pour Delacroix la littérature et le théâtre sont une grande source 

d’inspiration : Dante et Virgile aux Enfers. Il fera en 1832 un voyage en Afrique du Nord et en 

Espagne d’où il va ramener de nombreux croquis qui vont notamment lui servir pour réaliser La 

Chasse aux lions. 

9

Théodore GUDIN (1802-1880) 

Le dévouement du capitaine Desse, 1829. 

Le sujet : Ce tableau raconte un des hauts faits de la marine bordelaise. Le brick la Julia commandé 

par le capitaine Desse de Bordeaux, se rendant à Bourbon, rencontra le 13 juillet 1822 le navire 

hollandais le Columbus expédié de Batavia pour Amsterdam, ayant à bord un équipage nombreux. 

Ce navire avait été assailli par une violente tempête qui lui avait enlevé le grand mât, l’artimon, le 

beaupré, brisé le gouvernail et la poupe. L’équipage n’attendait que la mort lorsqu’au lointain une 

voile parut : l’espoir renaquit chez les hollandais lorsqu’ils aperçurent le pavillon français. La tempête 

était à son comble. Le capitaine de la Julia prononça le cri « je ne vous abandonnerai pas » répété 

chaque fois que le danger redoublait. Le sauvetage dura cinq jours et 92 personnes furent recueillies 

à bord de la Julia. 

La composition donne toute sa force à ce 

tableau, pourquoi ? 

Gudin fait preuve d’une grande prouesse 

technique dans le rendu des couleurs et de la 

lumière qui rythment son œuvre, qu’en pensestu 

? 

Gudin, emporté par le sujet qui lui a été 

commandé, exécute une œuvre à la composition 

audacieuse. Le Columbus en déséquilibre sur 

une gigantesque vague dessine une diagonale 

conférant toute sa force au tableau. Ce 

mouvement est amplifié par la Julia qui coupe 

cette diagonale transversalement. 

Gudin utilise un magnifique gris plombé pour la 

représentation du ciel et des vagues permettant 

d’intensifier la tension dramatique de cette scène 

de tempête. Puis il travaille l’écume des vagues 

avec des couleurs claires et beaucoup de 

matière donnant du reflet et de la transparence à 

cet océan déchaîné. L’apparition de la lumière au 

sein de cette tempête fait penser à l’artiste 

anglais William Turner. 

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Portrait d’histoire 

Anton Van DYCK (1599-1642) 

Portrait de Marie de Médicis, 1631. 

La date d’exécution du tableau peut-être fixée avec précision en 1631, à la suite de la Journée des 

Dupes qui a vu triompher Richelieu. La Reine mère, Marie de Médicis, fuit la France pour se réfugier 

en Flandre auprès de l’archiduchesse Claire Eugénie. Exilé par son fils le roi Louis XIII, elle ne devait 

plus retourner en France et c’est à Cologne qu’elle meurt en 1642. La Reine séjourne à Anvers du 4 

septembre au 16 octobre 1631 et manifeste le désir de visiter l’atelier de Van Dyck et sans doute 

aussi d’y faire exécuter son portrait. Marie de Médicis a commandé à Rubens un cycle de peinture 

sur sa vie (Musée du Louvre). 

Van Dyck excelle dans les portraits 

sentimentaux. Quelles sont les expressions qui 

transparaissent sur le visage de Marie de 

Médicis ? 

Plusieurs symboles sont présents dans ce 

portrait, sais-tu lesquels ? 

À travers la noblesse du visage perce une 

profonde mélancolie amplifiée par le traitement 

sombre de la robe. 

Marie de Médicis tient plusieurs roses dans ses 

mains. Dans les portraits les fleurs ont une 

signification particulière. Lorsqu’un couple est 

représenté avec plusieurs fleurs dans les mains 

cela signifie qu’ils ont autant d’enfants que de 

fleurs. Par exemple, si tu vois trois fleurs c’est 

qu’ils ont trois enfants. Ici Marie de Médicis est 

représentée seule donc ces roses ne 

représentent pas ses enfants mais l’amour 

qu’elle porte à son pays la France malgré son 

exil. 

À ses pieds un petit chien symbolise la fidélité 

pour la France. Quant à la couronne posée 

auprès d’elle, elle est l’emblème son statut de 

Reine sans pouvoir. 

Vrai rival de Rubens, après avoir été son plus brillant élève et son meilleur collaborateur, dessinateur 

virtuose, Van Dyck reste aussi comme l’un des plus féconds et l’un des plus heureux portraitistes de 

toute l’histoire de la peinture. À lui seul il marquera toute l’école anglaise qui sera par excellence et 

grâce à lui celle des grands portraits aristocratiques et sentimentaux qui immortalisèrent une société. 

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Johann Friedrich August TISCHBEIN (1750-1812) 

Portrait de la princesse Frédérique Louise Wilhelmine d’Orange-Nassau, 1788. 

En 1788, Tischbein vient pour la troisième fois à La Haye appelé par le Stathouder Guillaume V pour 

peindre les membres de la famille d'Orange-Nassau. Le modèle préféré du peintre est Frédérique - 

Louise - Wilhelmine d'Orange-Nassau, fille de Guillaume V et future épouse de Guillaume, roi des 

Pays-Bas. Elle a dix-huit ans en 1788 et est ravissante. Tischbein l'a peinte au moins quatre fois 

toute seule, dont ce portrait en pied. 

Tischbein évoque dans ce portrait les talents de 

chanteuse et musicienne de la princesse. À 

droite, tu peux voir un instrument, connais tu son 

nom ? 

En observant ce portrait, peux-tu détailler la 

mode des coiffures à la fin du XVIII e siècle ? 

Instruments spécifiques de la musique 

européenne, les clavecins ont connu leur apogée 

et suscité un très large répertoire au cours des 

XVII e et XVIII e siècles avant de connaître une 

longue éclipse pendant tout le XIX e siècle. Ils ont 

retrouvé la faveur des musiciens et du public 

depuis le début du XX e siècle. 

Sous l’impulsion de Marie-Antoinette la mode à 

cette époque est aux coiffures hautes et 

extravagantes. La princesse porte ici un grand et 

haut chapeau couronné par deux magnifiques 

plumes d’autruche apportant une touche 

d’exotisme à sa coiffure. 

Ce tableau est probablement le seul à avoir été peint entièrement d'après nature; de là lui vient sans 

doute son charme, son absence de raideur, son naturel extrême, bref tout ce qui paraît en faire 

quelque chose d'exceptionnel dans la série des portraits de la famille d'Orange-Nassau exécutés par 

Tischbein. 

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Sir Joshua REYNOLDS (1729-1792) 

Portrait du révérend Richard Robinson, baron de Rokeby, archevêque d’Armagh, primat d’Irlande, 1775. 

Richard Robinson (1709-1794) est l'homme le plus important de l'église anglicane d'Irlande en cette 

fin du XVIII e siècle. Né anglais, éduqué à Westminster school, puis à Christ Church College d'Oxford, 

il arrive en Irlande en 1750 comme aumônier du duc de Dorset. La même année, il devient évêque 

de Killola (1751-1759), ensuite de Ferns (1759-1761), puis de Kildare (1761-1765) et finalement 

archevêque d'Armagh (1765-1794) et primat d'Irlande. R. Robinson était un ami de Reynolds qui fit 

son portrait à trois occasions. Lorsque le portrait de Bordeaux est commandé, Robinson a 66 ans ; le 

tableau est particulièrement bien reçu au Salon de la Royal Academy de 1775. 

Une partie du tableau fut peint par Reynolds 

selon une technique très novatrice pour son 

époque. Quelle est cette partie ? 

Un élément du portrait semble comme esquissé 

au regard du reste du tableau. Lequel d’après toi 

et pourquoi ? 

Les feuillages (en haut, à gauche) se distinguent 

par leur touche picturale particulière laissant 

apparaître le travail de l’artiste. 

La médaille que porte Richard Robinson à son 

cou fut rajoutée bien des années plus tard en 

1783. À cette date Robinson reçoit l'Ordre de 

Saint Patrick dès sa création; le portrait de 

Bordeaux était déjà en possession de Madame 

Montagu et le ruban bleu et la médaille furent 

ajoutés sur la toile. 

Adepte du classicisme par conviction, à la fois en théorie et en pratique, Reynolds fut cependant 

influencé à certains moments par le mouvement romantique, particulièrement par l'idée que le but de 

l'art est de « frapper l'imagination » par la chaleur du sentiment et par la couleur qui animent nombre 

de ses portraits. 

13

Thomas LAWRENCE (1769-1830) 

Portrait de John Hunter, vers 1790. 

John Hunter (1724-1802) était un marchand de Hertfordshire qui fut après 1788 le directeur de la 

Compagnie des Indes Orientales. Il fut un des plus importants commanditaires de Lawrence et lui 

commanda deux autres portraits. 

Le genre du portrait a été introduit en Angleterre 

par le flamand Van Dyck (1599-1641) qui fut 

appelé à la cour du roi Charles I er . Au XVIII e 

siècle. La particularité de la peinture anglaise de 

portrait est de placer le modèle dans un paysage, 

contrairement à ce qui se passe en France à la 

même époque. Lawrence utilise le paysage pour 

mettre en valeur le portrait, mais de quelle 

façon ? 

Quelle technique utilise le peintre pour rendre le 

regard du labrador vivant ? 

La haute silhouette classique du modèle se 

détache sur un ciel et un paysage surprenants. 

Le ciel tourmenté et orageux présentant le 

caractère hostile de la nature contraste avec le 

calme imposant de John Hunter et flatte le 

modèle. 

Thomas Lawrence ajoute une petite touche de 

blanc dans l’œil du chien pour rendre son regard 

plus vivant. 

À sa mort, Lawrence était considéré comme le premier portraitiste d’Europe et reconnu comme l’un 

des membres de la brillante société cosmopolite qu’il peignait. Bien que son œuvre fut fondée sur la 

tradition de Reynolds, l’élégance de son style et l’éclat de sa technique étaient neufs ; il est 

aujourd’hui considéré comme l’un des précurseurs du Romantisme. 

14

François-Louis LONSING (1739-1799) 

Portrait de monsieur et madame Jean-Baptiste Mareilhac à l’impromptu, vers 1798. 

Jean-Baptiste Mareilhac mène une carrière politique. Il est Maire de Bordeaux en 1796, magistrat 

consulaire, membre de la Chambre de Commerce et du Conseil Général de la Gironde de 1800 à 

1807, tout en amassant une fortune importante dans le négoce et l'armement des bateaux; il se fait 

construire par François Lhote le château de La Louvière à Léognan vers 1792 (à droite sur la toile, la 

façade ouest de la Louvière est représentée d'une façon un peu schématique mais reconnaissable), 

au moment même où il se marie avec Emilie Bonneau de La Cure. 

Qu’est ce qui différencie le portrait des Mareilhac 

de ceux que tu as pu voir jusqu’à maintenant ? 

Comme dans le portrait de Marie de Médicis on 

retrouve un bouquet de fleurs dans les mains des 

époux Mareilhac. Ces fleurs ont-elles la même 

signification ici ? 

Les portraits précédents présentent des poses 

figées et statiques. Ici Lonsing peint les époux en 

mouvement. M.Mareilhac, qui vient de descendre 

de son cheval, enlace sa femme dans de tendres 

retrouvailles. 

Cet énorme bouquet ne symbolise pas ici l’amour 

mais le désir des deux jeunes époux d’avoir 

beaucoup d’enfants. 

Formé à Anvers jusqu'à l'âge de 32 ans, lauréat à Rome pendant dix-sept ans et peintre bordelais 

jusqu'à sa mort, Lonsing n'est pas facilement classable. Bordeaux cependant est devenu sa patrie 

d'adoption. Il est "lancé" dans les milieux influents de la ville, le Parlement, la noblesse, le théâtre, la 

musique, les intellectuels, les négociants, les armateurs... Il a le même genre de clientèle que 

Perronneau et Lacour. 

15

Jean-Marc NATTIER (1685-1766) 

Etude pour le portrait de Marie Josèphe de Saxe, vers 1750. 

Marie-Josèphe de Saxe (Dresde, 1731 - Versailles, 1767) était la fille d'Auguste III, électeur de Saxe 

et roi de Pologne. Elle se marie en 1747 avec le Grand Dauphin, fils de Louis XV, et fut la mère de 

Louis XVI, Louis XVIII et Charles X. Grâce aux recherches de X. Salmon l'identité de notre princesse 

est maintenant élucidée et les hypothèses précédentes - Henriette, Victoire - abandonnées. La 

couleur des yeux (ceux de Marie-Josèphe sont bleus - verts, ceux d'Henriette et Victoire noirs) et le 

visage identique à l'étude de Bordeaux du tableau du château d'Anjouy prouvent cette affirmation. 

Marie-Josèphe a 19 ans ; la jeunesse et la douceur de son visage sont traitées avec beaucoup de 

délicatesse dans une gamme peu étendue de couleurs, et la touche estompée donne à l'oeuvre un 

fondu velouté que l'on retrouve surtout dans ces études que Nattier, trop sollicité par les commandes 

royales ne peut achever. 

En observant le portrait de Marie-Josèphe de 

Saxe décris la mode du XVIII e siècle. 

Les femmes nobles se démarquaient du peuple 

par leur teint de porcelaine qu’elle cultivait en se 

protégeant du soleil et en se poudrant de poudre 

de riz. Le teint était égayé par des fards rouges 

dont usaient sans parcimonie les femmes de la 

cour à cette époque. Enfin elles poudraient 

également leur chevelure leur donnant cette 

teinte grise si particulière. 

À partir de 1729, la notoriété de portraitiste est assurée à Nattier avec les commandes du Portrait du 

Maréchal de Saxe (Musée de Dresde) et celui de Mademoiselle Clermont prenant les eaux (Chantilly, 

Musée Condé). Cette peinture élégante et gracieuse lui attire toute la Cour et notamment la Reine 

qui lui commande Madame Henriette en Flore pour son cabinet ; à la suite, il devient le peintre attitré 

de Mesdames qu’il représente de nombreuses fois. 

Pour tout renseignement et réservation adressez-vous au Service culturel au 05 56 10 25 25 

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Musée des beaux-arts de Bordeaux : La peinture d Histoire

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